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49.《好极了》
1997年岁末，清醒乐队出版了令人耳目一新的专辑《好极了》。虽然不是特别优秀的作品，但是直接催生了摩登天空这个独立厂牌，以至于后来有了很多新鲜的音乐，国内的摇滚带来了值得肯定的东西。
清醒是国内第一支可能目前也是唯一一支BRIT－POP，熟悉的红酒，咖啡，眼镜，口香糖构成了清醒乐队浪漫而绅士的气质。而他们简单清新的音乐则给了身处重金属的摇滚迷们另一种启迪，清醒，无疑带给了国内摇滚一股清新整洁的空气。
在专辑《好极了》中，我们不难发现清醒在刻意营造一种来自英吉利的音乐氛围。不负责任的喊叫声已经变得芳踪难觅了，取而代之的是整齐的短发、笔挺的西装，清新的吉他和时而兴奋、时而漠然的有趣唱腔。
专辑一经推出，果然如其名“好极了”，乐坛反响空前强烈。清醒以清秀的面庞，干净的穿着，打破了人们对摇滚青年“不修边幅”的既有定势，也以其充满唯美和梦幻的嗓音，冲出了对摇滚音乐预先设置的叫嚣阵容。
其实清醒的出现和崛起改变了很多事情，最明显的就是推出《好极了》之后成立了中国最早的硬地音乐公司“摩登天空”，掀起了音乐DIY的浪潮。
50.《模样》
在超级市场的《模样》出现此之前，窦唯的《艳阳天》就已经开始了对于电子音乐的尝试，很难说超级市场是不是中国第一支电子乐队，不过真正意义上的电子乐还是从他们开始的。他们的音乐并不同于时下风靡西方的电子乐，他们的音乐更多的接近英国八十年代初的新浪潮。从编配到制作，从歌词到唱腔，都是十足的英伦作风。这是当时最摩登的声音，非常有想法，概念非常强烈，拓宽了很多音乐上的空间。
很难说超级市场给中国摇滚带来了什么，当初这支来自北京的名不见经传的乐队一出手就迎来了满堂彩。整张专辑以纯电子音效加上经过特殊处理的模糊的人声为主，其电子手法不见得特别专业，但却恰到好处，许多歌曲都具有浓厚的迷幻色彩，相当“Haunting”。最出彩的是，专辑里几乎所有歌曲的旋律都很好听，作成流行歌曲的话也一定能成功。
《模样》是最早最初的电子音乐专辑，单凭这一点，这张唱片就应该被中国流行音乐史记录在案。虽然由于设备条件，他们不可能搞出更时尚更尖端的声音，但略显陈旧的音色却刚好带出了居于70年代的英伦Syn-Pop和New Romantic的气息，朦胧纷乱的歌词意象与迷幻暧昧的音乐氛围混合成难以名状的奇妙感觉。超级市场是北京摇滚的真正异数。
51.《人之初》
很多人说天堂好听，基础的好感都来自这张《人之初》，我想原因大概是天堂的主唱雷刚在唱腔上模仿早期的窦唯，勾起了很多人遥远的回忆吧。
但实际上专辑《人之初》并不好，甚至不具备一定的水准，音乐和歌也没有任何可取之处。用雷刚的话讲“创作上因为年轻而造成的不成熟已在所难免，在制作上的缺憾更大”，在与红星签约之前与他们合作的音像公司没有安排够水准的制作人员，因此这张专辑几乎是在没有制作人的控制之下草草完成的。虽然在发行前红星在后期制作上作了很多修补，但缺憾已无法完全消除，所以〖人之初〗并不是一张令乐队感到十分满意的作品。
但是无论怎么说，《人之初》证明了自己的存在，无论好坏，无论有多少人真正的喜欢过。却也让更多人产生了期待，或者在等着看笑话。
52.《幸福的花儿》
在1995年初推出了首张专辑《人之初》之后，天堂乐队经历了近两年相对比较沉寂的时光，除参加一些摇滚乐的演出和 Party 之外，大多数的时间都在为第二张专辑创作、排练新歌中渡过。但在这看似平静的日子里，乐队内部却渐渐变得不平静起来，终于在新专辑录制完成之际，传出了乐队阵容变更的消息，而且这一次的变动非同小可，乐队的主唱，也是主要词曲作者雷刚宣布离队做个人发展，这一举动意味着以雷刚为核心的天堂乐队已成为过去，同时也预示着这支年轻团体今后在曲风上可能会有相当大的转变。
《幸福的花儿》就是在这样一个大环境下出现在人们面前，著名制作人张卫宁担纲制作，乐队风格开始呈多元化，令人耳目一新，雷刚继续似模似样的模仿早期窦唯的唱腔，让人继而对雷刚也产生些许好感来；其次，在以风格朴实、根源著称的制作人张卫宁的精心调教下，唱片中没有了唱歌跑调、键盘乱响、演绎凌乱的刺耳声响，而且还真透露出一些“质朴”的味道。
53.《一半一半》
《一半一半》，1999年天堂的第三张专辑，光看名字就知道雷刚离开后天堂开始有了变化，可以感觉道其中已经掺杂了哲学的味道。
1998年天堂乐队重组，宣艺兵和吴军又为天堂注入新鲜血液，直到天堂乐队发行第三张专辑《一半一半》,这张专辑从头到尾都用到了BOSSANOVA，加入不少的音效，感觉整张专辑是一个完整的整体，但是挑不出最佳单曲。还有很多的民族打击乐，正是这些民族打击乐使整张专辑充满了新的气息。
其中《对你说不》词、曲、背景音效都作的极其出色。封面好象同这张专辑不太和谐。喜天堂乐队的的夸赞天堂每张专辑都作的很出色，这在国内是很难得的。我却觉得天堂已经除了好几张专辑了，却还真就没有哪怕一首让人心动或者产生共鸣再或者琅琅上口的歌曲，他们的音乐和作品几乎没有让你感到惊讶或者夸张的地方。
虽然可以说天堂的确在不断的进步，但是他们表现的太中规中矩了，没有了创新和活力，也没有任何破釜沉舟的尝试，这也注定他们不可能上升到一流摇滚乐队的行列。
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45.《超载》
超载乐队曾经是中国Thrash ＭＥＴＡl的代表乐队，1996年8月，超载发行了他们的第一张同名专辑《超载》，关于“超载”这个名字，它的含义就是指人们始终在一种超载的情况下生活。超载自从1991年诞生之日起就被一些人认为是不吉利的乐队，因为由于种种原因，他们光乐手就更换过十几个。
同样是国内第一批乐队幸存者的超载从《祖先的阴影》到同名专辑的发行，的确带给了中国摇滚乐坛一股真正的Thrash ＭＥＴＡl潮流。那个时候的超载是一群热爱音乐和爱唱歌的年轻人，因为追求潮流他们的的音乐更强化了重金属风格。《超载》里面有太多年轻的本质，躁动，狂暴，不满都体现在他们的《超载》里在很多歌迷看来，超载乐队第一张专辑给人的整体感觉是皱着眉毛大声疾呼“我真烦！”
但我们也可以从超载的第一张专辑里看到很多的潜质，应该会有很多人记得超载主唱高旗的那首《生命之诗》：低下头是人间，抬起头是天边，转过身是欺骗，走向前是无言。引起了无数年轻人的共鸣。
但是《超载》也有一个缺点，就是难听。相信很多人不会忍受着一口气听完整张专辑的。
46.《魔幻蓝天》
新专辑《魔幻蓝天》不但没有进步反而退步了。这和高旗的三和弦论有不小的关系。当时间进入二十世纪末尾的乱哄哄的大时代，重金属早已被抛在脑后成了一个被讥笑的代名词，电子和朋克才是时代的弄潮儿。经过反反复复的思考和变通之后，“超载”终于卸掉了层层重金属盔甲，他们以清新吉他的英伦摇滚形象出现，向着感伤、细腻、敏感、唯美的层面回归。
或许这是因为上一张专辑有太多人叫骂难听，于是高旗和超载都反省自己，丢弃轰隆隆的配器，还原清亮的嗓音，猛然间就安静了下来。与上一张专辑的风格差别之大转变之快真是能吓死人。第一张同名专辑《超载》偏重的风格是重金属；而这一张《魔幻蓝天》乐风更为丰富，Britpop、雷鬼、庞克、金属和电子等，不限于一格。
抒情的布局，民谣吉他颇诗意，节奏吉他稳定、音色处理很好，器乐的编曲一流。高旗在歌中真假音转换顺畅……音乐的确是好听了，专辑也好卖了，而高旗和超载也证明了那句：低下头是人间的歌词，为了听歌的人改变自己的音乐，不堪重负的超载终于向商业低下了曾经高傲的头，俯首称臣。
47.《麦田守望者》
麦田守望者乐队最早组建于1992年，乐队成员均为大学毕业生，在校学习期间乐队已初步形成。1998年6月，乐队推出首张专辑《麦田守望者》，获得不错反响。
这是另一类走流行路线的朋克乐队的最佳代表。他们的音乐有股英国味儿,吉它短促而清亮,节奏快而机械,演唱则相对含蓄。在北京这股轰轰烈烈的朋克热潮中，麦田守望者是较为重要的一支乐队。专辑《麦田守望者》中其Punk/New Wave曲风和“最要紧是好玩儿”的生活态度跟比他们早了半年出版专辑的“清醒”一样，为世纪末人们昏昏沉沉的头脑吹来了一股醒神的清风。
这张专辑中最喜欢的就是曾经打过榜的《绿野仙踪》，给人一种玩世不恭游戏人生的感觉，色彩是一种绿色正像那部同名童话一样，明快多变。而我喜欢某些音乐的标准总是随着心情而改变，所以不足为据。
其实喜欢和不喜欢只有一线之隔，我曾经有一段时间特比不喜欢《麦田守望者》里面的音乐，原因就是我觉得麦田守望者的摇滚太软了。后来当朋克不再那么惹人关注，麦田守望者也就离我越来越远了。
48.《姥姥》
1993年3月，单行道乐队成立，1995年，专辑《姥姥》成为当年中国南方的首张乐队原创专辑，也是深圳本土原创乐坛的首张专辑。单行道乐队并没有什么冲击力极强的名气，但是那首《姥姥》却博得了众多人的喜爱，个人觉得《姥姥》的歌词过于罗嗦没什么意思，但我必须把单行道乐队成员的年龄考虑进去，他们才多大啊！
单行道乐队属于昙花一现的摇滚，但是作为当时南方摇滚的先锋军，他为南方摇滚乐的兴起起到了难以估量的作用。
不过我个人一点不喜欢这张专辑，即使不算《姥姥》这首主打歌曲，里面的任何一首作品仍不能提起人的一点兴趣。粗糙，稚嫩，不伦不类是《姥姥》这张专辑的致命缺点。而他们主唱的水平低下也直接导致了整张专辑的水准。最终也因为主唱的软弱使乐队无法逃脱杳无音讯的最终命运。
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41.《别误会》
零点乐队1989年组建，早期以COPY外国流行乐队的作品为主。直到1995年首张专辑《别误会》正式发行，于是零点从一个默默无闻的伴奏乐队开始在中国乐坛创造奇迹。
专辑主打歌《别误会》在当年热门歌曲排行榜上连夺榜首，专辑销量居本土流行音乐专辑首位。在“中国流行音乐十年纪念回顾”活动中，乐队成员均获“中国流行音乐十年纪念回顾”最佳乐手成就奖，并应邀参加“中国流行音乐十年”纪念演唱会。
如此轰动的确值得骄傲，更值得骄傲的是零点在那个时候依然相信摇滚，他们依然把自己的音乐当作摇滚音乐在做。他们也算是继唐朝、黑豹之后又一只非常成功的摇滚乐队。他们当时的成就属于中国摇滚，时至今日我们耳边仍然能听到熟悉的《别误会》、《爱不爱我》。这不能不说是个奇迹。
虽然在《别误会》的时候，零点并不成熟，音乐也过于偏向流行，但当时我们并不知道他们会在以后一失足成千古恨，所以《别误会》还算是一张相当不错的专辑，一张属于摇滚音乐的专辑。
42.《永恒的起点》
零点一直在努力改变自己，但是说实话他们的音乐里有太多模仿的痕迹，可能第一张专辑的成功让零点无法在静下心来创作。他们找到了另一条能被人称颂为成功的捷径，于是在他们这张新的专辑里，我们一丝一毫都找不到摇滚灵魂的所在。
零点没有尝试也没有突破，在听《永恒的起点》里面的作品时我就容易产生一种错觉：原来这就是零点。于是再回过头听他们第一张专辑里面的音乐，不禁叫骂：这也太不摇滚了！
零点乐队看上去很是一群摇滚人，他们的音乐也打着摇滚的旗号，谁说他们不摇滚来着？听听《永恒的起点》里面的歌，《永恒的起点》、《别让我离开你》……他们摇滚的多么温顺，多么抒情，多么柔和，多么甜。你也可以在《共同的家》中感受到零点的人文主义和伟大。
只是这一切，与摇滚无关！
43.《每一夜，每一天》
1998年的《每一夜，每一天》完全彻底的很多执迷不悟的人的梦，零点完全成为了流行乐坛的一支乐队，整张专辑里也完全不去在乎音乐的变化，编曲的探索，“四大件”从头用到尾，甚至多次出现了舞曲的节奏，听来就像是八十年代火爆的歌舞厅里灯光烂闪，架子鼓烂敲的通俗。
零点撕去了摇滚的伪装，展现了全新的面貌，专辑里照搬所有通俗歌曲的元素，还假模假样的弄了一首《粉墨人生》以示他们创新多变的音乐风格。这支靠着摇滚起家的流行乐队终于可以变节，以他们今时今日的地位完全有理由这般如此了。只要写出通俗易懂，琅琅上口的歌词再配上节奏鲜明的伴奏，就足以吸引一大批牛逼 年轻人跟着他们屁股后面一边跑一边叫好。
不管真正的摇滚音乐人多么鄙视零点，但他们还是成功了。如果说有摇滚人挑唐朝、黑豹的毛病是因为嫉妒的话，那么瞧不起甚至骂零点就都是因为愤怒，因为他们利用了摇滚然后背叛了它。
44.《最好的零点》
《最好的零点》只是一张所谓的“作品精选集”。江郎才尽的零点依然在努力着。那些老掉牙的歌曲没有必要再作评价。
相信现在很多真正懂摇滚的摇滚爱好者谈及摇滚或者写一些关于摇滚的文字的时候我不会再说到零点乐队了。不知道如果编写中国摇滚乐史的时候还会不会带上零点一笔。
其实我们鄙视它可以不听他的音乐，让我们愤怒的是太多的无知者认定零点的音乐就是摇滚乐，甚至拿零点的音乐和真正的摇滚乐相比较，然后对真正的摇滚嗤之以鼻。
不知道当零点说出“我们从来没说自己的音乐是摇滚乐！”的时候，会有多少人咬牙切齿，当零点到处走穴被主持人称之为中国最好的摇滚乐队的时候，真正的摇滚却仍然被轻视。
前段时间猛然听说不摇滚的零点居然干出了一件挺摇滚的事情，乐队成员因为再公共场所吸毒被抓，最后直接导致乐队解散。心里居然多少有点失落，原因可能是零点一直是我们这些摇滚迷坐在一起冷嘲热讽的对象，就像解说员韩乔生老师一样。
看来，《最好的零点》可能成为“最后的零点”了。
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38.《鲍家街43号》
鲍家街43号乐队成立于一九九三年十一月，当时的成员全部来自中央音乐学院，并以母校的门牌号码为乐队命名。首张专辑《鲍家街43号》在九七年五月出版发行。
很多人都会记得鲍家街43号的那首在摇滚音乐大潮席卷中国的时候曾经风靡一时的《晚安，北京》，很多人也会记得汪峰戴着黑框眼睛在大街上狂吼的《小鸟》。那用什么来形容汪峰与他的鲍家街乐队呢？如果你仔细听过他们的音乐，你就不能不被汪峰诗歌般的歌当中所表达的那种深刻的意境所打动。他的作品的震撼力来自于他从大众生活中提炼出来的音乐灵感和真实。
汪峰创作上出色才能，已经奠定了乐队在中国摇滚乐坛的显著地位。这张专辑应该算是一个见证，见证最初的那支鲍家街43号乐队的出色，和他们的音乐魅力。
39.《风暴来临》
鲍家街43号乐队的成员都出身于科班，可是这些中央音乐学院的高材生所创作的音乐里却似乎嗅不到任何如贝多芬、莫扎特等大师的谆谆教悔。专辑《风暴来临》是他们的第二张录音室作品，在音乐的曲风上包含了迷幻摇滚、民谣摇滚、以及欧陆电子与中式rap的促涌节拍，多种音乐类型的尝试与探索更显其音乐创作的野心。
但是野心归野心，人不能做自己力所不能及的事情，鲍家街43号乐队放弃了BLUES，放弃了他们最优秀的一面，居然生涩地玩起了REGGAE和RAP？完了，他们完全丢弃了曾经的自由和力量，却迷失在音乐的形式上。而汪峰在《晚安，北京》《小鸟》之后，继续了他行走的情结，在他的词汇表中，“街道”、“夜”、“走”仍充斥其中，不绝于耳。
好像这是一个定式，一个乐队的第二张专辑的水准绝对超不过第一张，越是优秀的乐队越是如此。《风暴来临》之后的，这支鲍家街43号乐队已经名存实亡。
40.《花火》
《花火》是鲍家街43号乐队大换血之后的产品，老乐队成员只剩下了汪峰，而这张专辑更像是汪峰个人的专辑，因为这是他的个人词曲、唱、编曲的全创作专辑，而鲍家街43号已经隐藏于他的身后。
新版的鲍家街43号在专辑里只是汪峰的工具，鲍家街43号曾经的简洁、直接、透彻的音乐虽然是被延续，但那种集体创作集体融合的畅快却消失不见了。认真的说，《花火》确实有着貌似流行的外壳，但其实际上依然残存着一点充满摇滚精神的内核，其实鲍家街43号乐队一贯的旋律特色就是流畅的布鲁斯节奏，现在再加上一些电子编排的尝试，很容易就会让人觉得时髦和流行。在音乐里，汪峰改变了颓废的死亡式的发泄，也不做歇斯底里的呐喊，他的每一首歌有激情洋溢的旋律、寓意深刻的歌词，但我不觉得这一切还是摇滚的味道，倒像是在用摇滚的语言在诠释流行。
鲍家街43号现在只是个躯壳，而汪峰在不断尝试改变，只是离摇滚越来越远。
零点乐队
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23.《我这十年》
先夸老臧几句：1995年他这个首张专辑《我这十年》成功推出并且大卖70万张之后，臧天朔凭借专辑《我这十年》中的精彩演绎，获得了主流与非主流音乐人士的赞许与认同。臧式平民化音乐语言为其在中国流行音乐发展历程中奠定了不可替代的历史地位。臧天朔也算是第一个具有摇滚乐史意识的歌手，《我这十年》是他的一本生动的音乐自传，记录了他伴随着中国摇滚乐史历程的饱含着酸甜苦辣的音乐实践。
臧天朔也是和崔健同时代的老摇滚了，在摇滚音乐界磨爬滚打了二十几年，却从来没真正确立自己的任何风格，老臧在《我这十年》里面不断的尝试和变化，使整张专辑除了他的声音之外很不统一，有点不伦不类。比如《面子》、《说说》这些歌，在我听着十分的累，可能老臧的嗓音注定他不会有什么演唱的变化，所以他在任何风格上都要一试伸手，渴望改变，渴望自己对音乐的理解和认识保持新鲜。但专辑里除了耳熟能详的《朋友》、《心的祈祷》，其它的在我看来无疑是失败的。
24.《捧出自己》
老臧的《捧出自己》这张专辑在音乐上大体延续了上一张《我这十年》毫无规律的风格，专辑中涵括了较多的音乐形态，比如拉美、牙买加、硬摇滚、Grange、世界音乐，甚至还有佛教音乐的元素只是，恕我直言，感觉他离摇滚越来越远了。
可能老臧对于音乐有了新的自我认识，他越来越凭借自己的嗓音转化为一个平民音乐人或者歌手。他也越贴近人民贴近通俗，我不是说他上中央电视台的春节晚会演出那么一个烂节目有什么不好，我针对的只是老臧实实在在的《捧出自己》。
专辑里的歌曲基本都是臧天朔人到终年的感悟，像人生，生活，爱情，友谊，生命等等，但是除了嗓音还是臧天朔之外，音乐上越来越软，越来越偏向通俗化。
老臧真的走远了，他的音乐不好听了，尤其是那首他自己颇为喜欢的《老玉米》，真是惨不忍听。时隔这么多年，能让我们都记住的好像只有一首《朋友》，剩下的就是臧天朔的敦实和他的微笑了。
怀念曾经的臧天朔和1989乐队。
25.《出门人》
1994年，来自四川盆地的王磊，在广州出了一张叫做《出门人》的专辑，在遍地是毛宁的小调的广州流行乐坛里，奇迹一样地冒出来了，一时间有了中国摇滚乐界“北崔健南王磊”的说法。
《出门人》所表现出80年代末90年代初向商业社会转型的动荡不安的时代氛围很容易赢得共鸣。但是那个时候从形式上说王磊还是一个流行摇滚歌手，以广州为主的流行乐坛对他的炒作凶猛至极。这多少令王磊的摇滚显得不那么专业。但是勿庸置疑的是王磊的音乐是好听的，虽然部分歌词不是很理想，但对当时年轻的王磊来说，《出门人》已经象征着他的实力和长久的摇滚生命力。
《出门人》对今天来说虽然新意没有了，但它仍然是感人至深的，因为它浑身上下都散发着浓浓的“人味”，这也是它必将成为经典的资本。于是，我们在“冷”里彻底向人最脆弱的一面屈服，让它从我们内心深处“破门而出”。然后伙同眼泪在我们的情感里注满悲伤。
26.《夜》
1996年，气势非凡的概念音乐专辑《夜》推出，深化了《出门人》的主题， 音乐则从民谣摇滚和硬摇滚走向平克?弗洛伊德式的摇滚。
代表作《天堂》和《冷》是王磊新的尝试，虽然不是那么容易让人接受，但在音乐上王磊还独一无二的展示了川剧式的凄美高腔。《夜》是在一种疼痛的基调上，王磊开始一张一张戳破现实的窗纸：爱情、良心、城市、机遇、繁荣、自我，他反讽、他嘲笑、他也痛痛快快地“开枪”。如果你听不惯王磊的四川普通话，那就当他是一个火眼金睛的民工好了。
王磊风格在《夜》这张专辑里开始着重体现出来，有王磊的特殊音效，有那些无法归类的音乐，且称之为另类吧，民族打击乐、布鲁斯、川剧、硬摇滚、Fusion、Funk、噪音、取样……整张专辑十分痛快，就像王磊在和音乐做爱一样。
其实从《夜》里大量的音效就可以感觉得到，王磊迟早是要做电子的。而且象他这么有想法的音乐人，任何既有的风格都无法让他满意。只有在电子乐里，他才能彻底的任意的表达自己。
27.《一切从爱情开始》
从这张专辑开始，王磊的确成就了自己全面优秀的摇滚音乐人的事业。我们看到王磊重新回到根源，《一切从爱情开始》是一张以木吉他为主的纯原声民谣唱片。 仿佛王磊在一夜之间安静了下来，忧伤又茫然。
《一切从爱情开始》里面，王磊有点嘶哑的嗓子显得那么的动人，从没有听过这么真实且细腻的男人唱歌。还有一点非常值得一提，那就是他的歌词，王磊终于修正了自己音乐里最薄弱的一部分，完美起来。每首歌的歌词都直抒心意，纯白的像在茫茫草原奔跑的小羊，每个字每句话份量十足的在表达他的思想。
王磊自身特有的孤独气质在他的音乐里表现的淋漓尽致。而他在《一切从爱情开始》里重投民歌的根源与Acoustic化的声音，赤裸裸地对爱情作出解析与反讽，一首首黯然神伤的情歌，勾画出斯人独憔悴情怀。
《一切从爱情开始》，渐渐带回了我们的真诚还有我们那些简单的快乐。
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36.《无是无非》
去买专辑的时候心里就没了当初买《光芒之神》的那种激动和期待，反而是忐忑，我操买不买呢？还能听回以前的感觉么？出于对“黑豹”这个曾经让我激动得彻夜难眠得名字，最后把《无是无非》买到手里，我惊喜的发现，如果没有在专辑封面属上“黑豹”的名字，我完全可以把它当作另一只摇滚乐队来听。
可以感受到黑豹在这张新专辑上下了功夫，秦勇的作词也更直白，乐队也紧要牙关绝不创新绝不迎合，在编曲上完全可以听得出来，黑豹不令将键盘，吉他，贝司，架子鼓这“四大件”以外的乐器减到了最低程度，以保证“四大件”的“纯洁性”，但是在音色选取、乐器比例、和声构建、节奏变化上都作了改变，可惜这种改变的效果并不好。
《无是无非》可以算是上乘之作，但是整张专辑里却只出现了一首。按个人的喜好，我最中意那首《放心走吧》，原因只是当时和我最好的一个哥们儿游泳淹死了，这首歌太符合当时的心境，边听边唱，边唱边哭。至于其它的，不提了，没印象。
黑豹玩的还是摇滚，尤其是最简单的摇滚，但《无是无非》已经完全不同于前两张专辑，也完全不同于以前的黑豹，它是另一只摇滚乐队，几近平庸。
37.《不能让我的烦恼没有机会表白》
黑豹的音乐真的越来越黯淡，或者说黑豹在出这张专辑的时候只剩下一个名字了，只是在靠“黑豹”两个字的名气生存，虽然还不至于恶心似“零点”，但也已经开始一步一步迈向完全的商业化。
黑豹自己说，他们的摇滚越来越成熟了，要表达也更多了。我不知道那些曾经的“黑豹迷”们会怎么想，但我已经不能接受现在的这只黑豹，太多东西都已经变味了，即使听觉上还算过得去的主打歌《不能让我的烦恼没有机会表白》也全无曾经那只黑豹带给人们的激动和热忱，如果单看专辑而忽略黑豹的名字，那那首《三个人》还可以，就是编曲简单了一些，缺少一些起伏，歌词和大致旋律还不错，木吉他的风格比较轻快。可惜的是他们是黑豹，是中国摇滚的楷模，是曾经带给我们《无地自容》《别去糟蹋》《DON’T BREAK MY HEART》《别来纠缠我》的黑豹！对于这张专辑，除了失望没有别的感觉。真的，你看，这张专辑从推出到现在，里面的歌有一首能让人记住传唱的么？
或许多年以后会有音乐人回忆：成立于1987年的黑豹乐队，曾经是中国摇滚乐唱片销量最高的摇滚乐队。经过数十年的风风雨雨，数易主唱，它由幼稚走向成熟，又走向堕落……
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32.《梦回唐朝》
关于这个唐朝我还能说什么呢？1991年唐朝推出首张专辑《梦回唐朝》，成为了中国摇滚史上的经典之作。唐朝乐队也成为中国摇滚历史上最振奋的一笔！凭借这张专辑和当时一同推出的黑豹的首张专辑，摇滚乐第一次也是唯一一次完全压抑了其它流行乐种，摇滚在那个时代成为时尚，成为无数青年少年的梦想。
不论是《梦回唐朝》的豪情万丈，《太阳》的天空地远，还是《月梦》忧伤的低唱，《九拍》狂放的嘶喊，“唐朝”都在其中表现出其对音乐驾驭的能力，曲子在流畅和多样化中体现个性，歌词则让我们看到他们对中国传统文学的理解，对生活和世界的认知。丁武高亢的嗓音、老五高超的吉它演奏、曲子编配的精细，每一方面都让人感到《梦回唐朝》的认真。唐朝的音乐是如此的华丽和气势磅礴。
《梦回唐朝》是唐朝乐队首张，也是唯一一张专辑，原因众所周知，张炬意外的去世导致唐朝消沉许久甚至面临解散，直到后来推出第二张专辑的时候，唐朝也已经是另一个唐朝了。
或许是因为张炬的离开，无数音乐人和摇滚迷把《梦回唐朝》视为近乎完美的经典，我也是其中之一。
33.《演义》
虽然已经知道任何乐队的第二张专辑肯定比不上首张专辑优秀，越是成功的乐队越是如此，但我还是想听听中国最优秀的摇滚乐队在蛰伏了多年之后还能不能带给我们惊喜。但我还是或多或少的失望了，就象唐朝的不可重复一样，《梦回唐朝》也是不可重复的。
《演义》的前奏，不如说是整张唱片的前奏，很好地延续了唐朝唱片的概念性，只是再出色的吉他也不如《梦回唐朝》的那几声锣和大鼓来得厚实。重金属风格已经在摇滚界落寞，唐朝新专辑《演义》中的音乐也可能是因为大家期望得太高而显得差强人意。
其实平心而论唐朝的音乐在《演义》里得到了延续，却肯定无法超于凝固在大家心中的《梦回唐朝》，比如我个人，许是因为张炬的原因，就特别喜欢专辑里唐朝翻唱的那首《送别》，那是唐朝对音乐敏感和热爱的体现。
1998年，期盼了七年之久《演义》虽然还是赢得了许多喝彩，但是却无法取代首张专辑在人们心里的地位。在经历了长久的等待后，或许歌迷变了，或许“唐朝”已经衰老了，而唐朝那首落寞的《送别》，无疑是对他们带给中国摇滚音乐曾经那些辉煌的一首挽歌。
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28.《天色将晚》
其实小柯的音乐算不上是传统意义上的摇滚。他只是一个专注于自我风格的音乐人。这张专辑全部是他本人作词作曲的创作专辑。而专辑里的一些歌曲风格却有着和摇滚内涵异曲同工之妙。
说起来很难将小柯的音乐风格归之于哪一门类，因为他的音乐融汇了古典、流行、Jazz、Funk、Blues、Folk等多种曲风，而他本人又是一位集演唱、作词、作曲、编曲、演奏、制作于一身的才子，我对小柯的音乐有一种难以掩饰的钟爱，或许他的音乐不太流行，但他的音乐对于中国原创乐坛的意义却将是十分深远的――哪怕在今天人们还没有很充分地认识到这一点！
小柯其实更像一位平民音乐人，却并不完全的摇滚。他的音乐总是在让人感动和怀念，流逝的岁月在小柯那缓缓流动的钢琴中逐渐凝固成了泛黄的影像。蓦然回首，天色将哓，而心头的怅惘却依然挥之不去……
我们可以不去界定他的音乐，因为就音乐本身来说，能让人一遍又一遍的在听觉中感动就已经足够了
29.《不要匆忙》
从台湾人制作的第一张摇滚乐合辑《中国火1》到本地策划的首张摇滚乐合辑《摇滚北京1》，骅梓似乎总是被视为是碟中新声的代表，组建第一支乐队算起，骅梓已经做了十二年的音乐， 1996年出版的个人专辑《不要匆忙》标志着骅梓在尝试自己走出来要去创造。骅梓是一个从来不肯招摇的摇滚艺人，也只有他敢于理智中肯的说出“崔健没有天分”这样的话来。
可惜的是《不要匆忙》并不好，早期的骅梓用他干净素雅的音乐元素表达着他简单的梦想，而当梦想只是梦想的时候，执着便成了固执。我们可以说《不要匆忙》的音乐没有任何的明显特点。缺乏彻底性可能是骅梓最致命的弊病。
可能对骅梓来讲，做音乐是一件很崇高的事情，而这种思想的不断重复加深耽误了骅梓的音乐，原因就是他把音乐太过于理想化，而他所理想的音乐却从来没有出现过。相比之下，《不要匆忙》虽然只是平庸之作，却表达了骅梓对音乐的追求和渴望。
30.《人人都有个小板凳，我的不带入二十一世纪》
最早听到的是这张专辑里面那首《欢迎受听广播》，真是喜欢的不得了，开始关注他以后打死我也认为胡吗个在他的摇滚事业中绝对不会失败！1999年4月，终于盼到了他这张专辑《人人都有个小板凳，我的不带入二十一世纪》正式出版。
这个来自鄂西的名叫胡吗个的年轻人创造了一个令每个音乐人汗颜的伟大奇迹，这个奇迹是颠覆性的，在这张名叫《人人都有个小板凳，我的不带入二十一世纪》的杰出专辑里，胡吗个用让人耳目一新的新写实主义的手法唱出了自己的声音，表达了一种最深切的人文关怀。让我们每个人反观自身尴尬、悲哀、平凡、猥琐的生存状态。
可喜的是，胡吗个幽默的个性使整张专辑充满了张力，每每我都会为其中出人意料、苦中作乐的戏剧性笑出声来，他的嘲讽和自嘲使他立于不败之地，所有的庄严、神圣、规则在这里被消解得一塌糊涂。而音乐，任何现成的音乐形式都无法套入这张专辑，因为他的音乐太实验性，太行为主义，太散文化。
其实摇滚并不是严肃，相信每个真正喜欢摇滚的人都会喜欢胡吗个。喜欢他看似漫不经心的“简约摇滚”。
31.《我快乐死了》
陈底里算是老牌中国独立音乐人，他的音乐以电子音乐为主要表现形式，而其在吉他演奏方面亦有突出表现，曾被誉为是“DNA变种的吉他鬼才”。他就像是摇滚界底唐吉珂德，高喊精神万岁的他1988年便出了这张《我快乐死了》。就像很多人说的一样，陈底里应该去作电影音乐，因为听陈底里的音乐，应声人耳的感觉是：它们是一组音效“蒙太奇”。
在西方现代音乐发展中，以“噪音音乐”和“电子音乐”，对音效的把玩为最，陈底里无疑从中受到启发。他的专辑是纯音乐型的，虽然还略显粗糙，但却不是那种死死的没有生气的电子产物。于是在他的专辑里我们听到他纯音乐境界的自由追求，为中国摇滚打开另一个新鲜的空间。
不知道有多少人真的在意了陈底里这张专辑里面的歌词，反正我是基本没记住什么。好在我喜欢的是专辑里陈底里所营造的纯音乐氛围。可惜，由于行事低调，更由于其实验态度，作为实验音乐家的陈底里和他的《我快乐死了》远未得到更多的喝采。
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20.《往生》
东北有一道名菜“乱炖”，不管三七二十一的把各种料都弄在一起，做出来却香气扑鼻。王勇的专辑《往生》就是如此。
我们在这一张专辑中遇到了爵士乐、摇滚乐、New Age，遇到了法国号和笛子、金属吉他和古筝、和尚和喇嘛、江南和西藏、偈语和Rap，喜多郎、Yanni或Michael Crute (Inigma)，而王勇的奇迹就在于他将这一切烂熟于心、信手拈来，就像武侠的无招胜有招，王勇也到了丢弃音乐形式，只有声音的程度了。如果仔细听听《往生》中那段二胡，你就会惊讶于王勇的才气，他和那些把民族乐器融入歌曲哗众取宠不同，他寻找的是乐器本身的性质而不拘泥于文化和地域，声音和声音在一起，组成新的声音――你没必要去分辨哪一声属于哪个流派。
王勇的音乐是宗教式的，有神论的。但我更愿意理解为那是王勇自省和唤醒的过程，他是整个中国乐坛为数不多的懂音乐的创作人之一，更多人喜欢《往生》这张专辑是因为它的神秘色彩或是别的，抛开王勇歌词稍显业余的瑕疵，我们应该关注的是《往生》里的音乐。
王勇是一个非常优秀的厨子，把各种音乐融合在一起，不管风格、文化、民族、和地域的的区别，统统只是单纯的把它们当作音乐，于是一张很有功力，颇显大气的音乐大餐便摆在我们眼前了。
21.《在别处》
九七年出版的这张《在别处》是许巍的首张专辑。在这之前我们熟悉许巍是因为他为田震创作的那首《执着》。那个时候许巍被誉为什么“中国摇滚新希望之类”的头衔，炒作也好包装也罢，多少有点让人生厌，你是谁啊就敢这么牛B？第一首歌听的就是《我思念的城市》，那是一份质朴和苍凉的感觉。这种感觉在第一次听张楚的时候也曾有过。于是迷迷糊糊的喜欢了许巍。
当听到《在别处》和《水妖》的时候，我知道许巍肯定满足了很多人的期待，不管许巍自己经历了什么，他却在音乐里找到了与人相通的知觉。无助，茫然，孤独，绝望，遥远的幻想，《在别处》的所有歌曲都唱出了我们心里不敢触及的那一部分。哪怕我们不考虑他音乐的表达和存在的意义，只有两个字就已经足够：好听。在这个时代，除了好听我们还能奢望什么？还会出现崔健那个时候一首歌改变某个人的一生这种情况？我操！
专辑里每首歌都好听，甚至都能在听的同时让我们看见什么。只是许巍的歌旋律过于单一缺少起伏，演唱也是一个声音下来没有变化。但那是许巍不懂变化还是不愿变化？当我们在他的音乐里感到了似曾想识的沧桑和茫然无助，我们的内心世界真的还愿意改变他么？
《在别处》之后，许巍不再漂泊，于是他变了，于是我们也再找不回最初的感觉。
22.《榨取》
个人理解的话，周韧的《榨取》应该是中国最早的grunge专辑，那是1996年，中国的grunge最最火爆的年头，大大小小的个性青年都谈论着nirvana，于是《榨取》诞生了。
虽然这张专辑虽然在很多地方有些像pearl jam，但是谁又懂那么多呢？抛开一切风格不提，这张专辑给我印象很深的地方是人声上加的效果，比如说《榨取》这首，一个说唱的作品，很有趣，我们可以完全不去管歌词再唱什么，人声加上效果器是一件很奇怪和好玩儿的乐器，如果你喜欢那种概念上并不是那么标准的rap同时又喜欢grunge的话，你应该会喜欢这首歌。
但是个人感觉周韧在《榨取》中的那些的歌词明显的故作玄妙，他本人又是在对grunge一味的追求和模仿，使得这张专辑只徘徊在小众中的小众里被爱戴。当然我们可以说《榨取》大约是技术上最精彩的grunge专辑，但却真的没有什么内容，更别说感人。
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17.《赤裸裸》
郑钧可能是中国流行音乐中最有人缘的歌手了。无论你说他是流行歌星也好、摇滚乐手也罢，都不会有太多人反对。毕竟郑钧是靠摇滚乐起家的。玩的也是欧美那一套。
1994年《赤裸裸》时候的郑钧还是完全属于摇滚，放弃了出国的机会坚持留在国内创作自己热爱的音乐，并且有自己的音乐理念和创新思维，他的第一张专辑《赤裸裸》发行，即突破了100万张的发行量。可以说郑钧对于中国摇滚的发展，走出异区向大众靠拢还是起到了积极并且十分重要的作用。满大街都喉着要《赤裸裸》的《回到拉萨》的那个时候，无论你承不承认他当初做的是不是摇滚乐，最起码郑钧让更多人明白了，摇滚其实并不那么难以接受。
1994年的郑钧27岁。正是理想在胸中冲撞激情在心中燃烧的年纪。在他的音乐里就有那么多年少轻狂的冲动和放荡不羁。即使现在我们听《灰姑娘》、《极乐世界》、《赤裸裸》的时候依然可以感受那个时候郑钧的可爱和完全沉浸在自己热爱的摇滚乐中的那份痴迷。
《赤裸裸》是郑钧最完美最出色的专辑，那个时候的他和他的音乐也是赤裸裸的，没有那么多的商业和迎合，或许可以把郑钧叫做“偶像级的摇滚歌手”，但是他对中国摇滚乐的挚爱与探索是流淌在血液缠绕于灵魂中的，并且根深蒂固。
《赤裸裸》实在是一张非常优秀的唱片。27岁的郑钧凭着对音乐的深刻领会与热爱，用勇气才气和生气真诚的向听者奉献了一张难得的好唱片。听这张唱片，你会发现理想溢满胸腔。
18.《第三只眼》
如果说郑钧的第一张专辑因为太多人因为他的出现而欣喜，蒙蔽了他自身很多的缺点，那么冷静下来的人们会在《第三只眼》这张专辑里发现郑钧那些显而易见的缺点和不足。
郑钧不是在玩音乐，他很认真，于是他的认真在这张新专辑里让大家发现了他的笨拙。就像一个爱讲笑话的人总给别人讲同样的笑话，还能指望人家笑出来么？
在《第三只眼》里我们可以很轻松地记住那些朗朗上口几近童谣的旋律，但是我们也可以感受到在这些随口调之后的是郑钧在作曲上面的先天缺陷，民谣与布鲁斯的框架几乎是郑钧作曲的全部。即便是《天下没有不散的筵席》用了佤族合唱作为曲始，即便是《迷途》在一开始就用了一段很纯粹的古琴，即便是《第三只眼》的开头就是一段SITAR琴，试图用典型的印度氛围更营造出一种迷幻的味道，但是这一切一点不显大气的小伎俩被使用的那么稚嫩和笨拙。
《第三只眼》的郑钧没有我们期待的创新和提高，只是在重复自己，甚至失去了《赤裸裸》中的激昂和生气。唯一值得反复倾听的就是那首《门》，一首主题和造词上都不算新鲜的音乐，竟也能在郑钧的气质中化腐朽为神奇。还有编曲上如泣如诉的大提琴。
19.《怒放》
1999年4月1日，郑钧第三张个人专辑《怒放》由上海音像正式发行，上市不到五天，第一批二十万盒卡带全部被一“抢”而光。无论怎样，这在中国的摇滚音乐界应该算是一个奇迹。我不知道有多少人是真的喜欢郑钧，还是冲着他的名气去购买的，作为郑钧音乐比较敏感的一位拥趸，在听这张新专辑的时候，我是从激动到愤怒再到失望最后到无奈。最后几乎捏着鼻子听完整张专辑以期待能发现哪怕一首让我有些欣慰的歌曲出现。最后简直气得我准备听《纤夫的爱》来折磨自己一下了！
本来以为郑钧在沉寂许久后，能等待来他的厚积薄发，没想到我等来了一个离摇滚越来越远也离曾经的郑钧越来越远的民谣歌手。当然，我们能听出来郑钧在《怒放》里在努力的尝试，改变和创新，但一切却给人感觉在迎合，不知道是在迎合制作人还是迎合大众。反正除了声音和偶尔的灵光乍现，我没有在专辑里找到郑钧的影子。
《怒放》里，郑钧依然在玩弄自己的那点小聪明，舍弃了中国民族乐器的美妙，整张专辑完全成了西方音乐的傀儡：硬摇滚，欧洲后现代的室内乐风，重金属还有Grunge，郑钧开始了一味的模仿，于是迷失了自己，可能还忘记了自己曾经想要的郑钧音乐。于是我们不愿看到的一幕终于发生，《怒放》之后，郑钧在我们的摇滚视野里“凋谢”了。
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12.《垃圾场》
何勇的个性太强，这在他的音乐里一览无余。四处冲撞、咆哮、大笑、热爱，甚至狂躁。这张专辑原名《麒麟日记》，是何勇在90年代中的作品与生活的总整理，在91年就已经进入录音室作业。但是过程中颇多挫折，其间历时两年多，直至94年才完成缩混。
整张专辑何勇都在咆哮着，都在歇斯底里的质问和怀疑。乍一听很多人都会被专辑里狂乱的音乐和何勇惊世骇俗的摇滚弄的跟着烦躁起来。那些音乐和歌词，简直就像砸在你脸上一样的生疼。
相信在那个时候，何勇的病还比较轻，他疯狂也好暴躁也罢，都还是只体现在他的音乐里，他对音乐的理解异于常人，活在自己给自己制造的垃圾场里寻找他想象的美好和热爱。比如《姑娘漂亮》或者《非洲梦》，再或者《钟鼓楼》也在暗喻着何勇的不满，而这种不满却仿佛永远只是针对着何勇自己。
不谈论何勇在旋律上的欠缺，他的确改变了一些事情，比如他的表演欲彻底打动了香港红堪体育场的数万歌迷，比如他的年轻和他所拥有的摇滚的英年早逝。在《垃圾场》里何勇痛快的爆发了一次，然后消失了，当我们知道他走进精神病院的时候，是否该疑问，那是他为他的个性还是他的摇滚所付出的代价？
13.《我不会忘记最初》
歇斯堪称中国第一代摇滚乐手，无可争议的吉他大师，把命卖给吉他的超执着音乐家。
在他的第一张个人专辑《我不会忘记最初》里面，歇斯的吉他弹奏已经接近出神入化，那个时候的他已经对吉他痴迷，也已经苦行僧一样的陪着吉他生活了很久。
相信每个好的乐手都会有一段类似于清教徒的这种生活，有点儿走火入魔的那种感觉，只有这样才会让吉他化入你的血液。那就是你的意识永远是在动的，眼睛里看到的，脑子里飞舞的就只有二十四品和六根琴弦，就象佛教里说的从有意识界达到无意识界，就是“空”，这个“空”给人带来的是什么，就像是你擦亮一根火柴的时候，火苗中间是真空地带，当这种东西从手指上流出来的时候，你没法问他在想什么，他也答不了你。歇斯就是在不断的揣摩和联系中把吉他和自己的音乐还有自己的生命融入在一起了。
这张专辑，我可以负责任的说一句：除了吉他弹奏，剩下的都是废料。
14.《舞指如歌》
歇斯的《舞指如歌》的推出，宣告了中国首张纯吉他演奏专辑的诞生。那里面的riff和旋律走向听来根本不像是出自一个中国人的手笔，―不知道的还以为是Stve Vai又出新专辑了呢。许多很具专业水准的人听了之后都说，它可以称为是国内第一张纯正的吉他音乐唱片。其中的技术成分不必细说，主要是它的音乐能让人激动，能让人感到一种冲动和飞扬。所以，许多人认为，歇斯已经是中国最优秀的吉他大师。
这是一张与众不同的音乐专辑，是一张真正意义上的“音乐”专辑，整张CD只有精彩绝伦的吉他演奏，听多了古典吉他的吉他曲，让我们来听听电声乐队的纯乐曲，纯吉他Solo。
歇斯的《舞指如歌》全部音乐创作与编曲、全部吉他演奏都由他一人独立完成。这是一张与众不同的音乐专辑，是一张真正意义上的“音乐”专辑，整张CD只有精彩绝伦的吉他演奏，听多了古典吉他的吉他曲，让我们来听听电声乐队的纯乐曲，纯吉他Solo。
关于歇斯的歌我不想说什么，因为那些东西太失水准，关于歇斯的吉他我也不想说什么，因为他的吉他只是用来听的。
15.《野花》
如果有人把田震归为摇滚也不足为奇，田震的声音的确属于合适摇滚的，但是她的歌却属于流行，用那副天生摇滚的嗓子唱着一首首腻歪歪的流行歌曲，也就不难理解为什么摇滚界同仁如此鄙视她。
《野花》这张专辑和里面的歌曲都获奖无数，各大排行榜均有田震大姐的身影，但田震其实并没找到合适自己的音乐和曲风。不甜美不高亢不厚重不尖细的声音使她在流行歌曲的世界里显得很独孤。她独特的嗓音之所以受人爱戴也仅仅是因为她独特的嗓音而已，但悲哀的是摇滚鄙视她，民族和美声当然她更不沾边，唯有在通俗里混迹却也被通俗视为异类。
太多凡夫俗子说《野花》好听，却忽略了整张专辑的的浅薄和做作。旋律单一，歌词琅琅上口却百分之百的幼稚。非情即爱也使得拥有如此独特的嗓音的田震的这张专辑毫无深度。
《野花》就像是快餐，让人痛快之后便新陈代谢走了。
16.《干杯，朋友》
总感觉专辑里面的歌曲，比如《干杯，朋友》。如果不是田震唱，而换一个声音甜美的歌手来唱肯定又是另一番滋味。但田震低沉性感的歌喉却把这首歌要展现的并不深刻的意境诠释的淋漓尽致。
这张专辑里，田震那种用摇滚的感觉去演绎通俗和流行再次得逞，并且整张专辑与上一张相比较之下有了显著的提高，无论是配乐还是整体风格的统一化，包括可以唱滥大街小巷的流行歌词都开始有了比较深刻的内涵。
但无论怎么说，《干杯，朋友》始终是流行音乐的产物，因为田震的声音所以带了些许摇滚的风格，这让那些不能接受摇滚又听腻了流行的人群欣喜无比爱不释手。但相信专辑里面的歌曲对人们来说依然是表层喜欢，最多勾起点酸酸的回忆，而能给人们更多的恐怕就是忘却了。
田震凭借着她的嗓音，带着她的“伪摇滚”流行歌曲一路走来。再一路走去，不知道会有多深的脚印……
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9.《一颗不肯媚俗的心》
说实话，本来这是一张不值一提的专辑，这张基本都是张楚1988年的时候创作的歌曲专辑不仅制作粗劣，而且大部分歌曲由其他水平线下的歌手来演绎，使本来很优秀的作品没亮出彩来，编曲侯牧人同志的水平在那个时候显然也不怎么高明。甚至白痴！但1988年的张楚依然才华横溢，那个时期他创作的歌曲若是好好演绎一番，肯定都是产生震撼的独白音乐。我觉得这是一张被制作人和演唱者糟蹋了的专辑，好像一块掉入污泥坑的璞玉。“一颗不肯媚俗的心”的推出不是张楚本意，专辑的粗制滥造甚至在一定程度上影响了张楚下一张专辑的销量和评价。但是里面的歌还是张楚的歌，一个叛逆者的姿态以审视的目光来看待自我、历史和传统；一切还是流浪的张楚在中国西北部那些大漠边寨的凄荒、沉重以及生存的蒙昧、困惑的氛围之中。有心者就让那些媚俗的演唱者滚蛋！然后仔细去倾听那个时候的张楚吧，把不知道是哪个狗日的取的“一颗不肯媚俗的心”这个名称的包装砸烂，然后静静欣赏张楚最初的淳朴。尤其是那首《姐姐》。
10.《孤独的人是可耻的》
没有了令人陶醉的伤感，更多的是对内心的抒发。张楚的灵气在这张专辑里展露无疑。虽然专辑中的歌曲的旋律极具无规律性。不知所云的歌词也十分总令我这般学识浅薄的听众迷惘。但不可否认的是《孤独的人是可耻的》专辑的确是一张好专辑。飘忽不定的旋律证明张楚的音乐触觉，更让人无可奈何的是张楚的语言，就像这张专辑的封面一样，张楚无辜的看着镜子里的自己，自言自语着你我身边的一切，轻声细语的带着强大的力量，比如《冷暖自知》，比如《上苍保佑吃完了饭的人民》，怎么样的思维能用最简洁的语言缺包囊了政治，宗教，生活，道家思想这么多的元素？听不懂他唱什么的人大有人在，别奢望真正听懂张楚所审视所表达的意图，因为此时的张楚是智慧的，是清醒的，远离我们然后嘲笑我们的一切却不告诉我们答案。我们应该永远怀念这个时候的张楚，永远怀念《孤独的人是可耻的》这张专辑，因为这个张楚才是摇滚不能忘记的张楚，才是我们真正顶礼膜拜的张楚，可惜，这个张楚已经死了
11.《造飞机的工厂》
如果说上一张专辑的配器楚多少有点炫耀自己的才华和灵气，那么这一次就有了恰如其分的自信。
那是一种涌动的节奏感和恍惚的音效，那可能完全是听觉上的享受，但也绝对是听觉上的折磨。因为我们所接受和适应的摇滚音乐从没有这般柔和和这般忽略节奏，虽然张楚和其他的摇滚乐手一样，以西方电声乐器的伴奏为音乐的主，但没有成为欧美摇滚的翻版。最后做出来的音乐却有浓厚的民族地方性，和现时代现社会息息相关，尽管他在对生活的自我理解里变得更加孤独。
张楚越来说有份量越来越变得怜悯的歌词是十分KB的，常有人说某某的歌引人深思，基本是屁话空话，但是张楚的歌词却真的能做到这点。如果有人第一次听张楚的歌便哭出来那一点都不足为奇。因为张楚的音乐是自己的，张楚的摇滚也是自己的。那种不温不火没有人能再做到，甚至没有人能够模仿。
张楚是中国摇滚界的一个另类，里程碑式的另类。《造飞机的工厂》标志着张楚的才华和逐渐成熟后无可比拟的音乐触觉。他的摇滚比窦唯更像诗，张楚的摇滚是诗一样的摇滚，唯一的感受到轻柔和忧伤的诗一般的音乐。
《造飞机的工厂》之后我们开始满心的期待，长久的期待，长久到长了痔疮接着治好了然后又长出来的期待，直到期望变成绝望，你能拿张楚怎么样？
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6.《黑梦》
这是窦唯离开黑豹后的首张专辑。从窦唯开始，中国摇滚乐手开始接受西方摇滚主流之外音乐的影响了。可以说，《黑梦》里窦唯开始屏弃主流音乐的所谓的旋律的优美性，但可能因为《黑梦》是窦唯个人化音乐的开端，尚不完全成形，但已经非常迎合当八十年代末的理想青年们的口味。或许是因为窦唯幽闭而自恋的性格，我们只在他这张专辑里听到他一遍一遍的呓语和强烈的压抑感，那是一个带着些许诗人的气质的摇滚人。无论喜欢与否，对于那些以为摇滚就是嚎叫和歇斯底里的人们，《黑梦》还是一个震撼。尽管专辑里更多的东西让人厌烦甚至使人发疯。我们可以说那是新窦唯，完全独立和个性化的音乐理念，虽然《黑梦》中还有太多Bauhaus、Peter Murphy的影子，虽然《黑梦》在意识上是一张很幽闭、很自恋的专辑，但是它在音乐上的探索却又不经意的扮演了中国摇滚乐史上空前的开放角色。这张专辑无不都从正反两个方面对中国摇滚乐的未来具有很好的借鉴和引导作用。什么时代需要什么样的音乐。《黑梦》只是一个开始。
7.《艳阳天》
1995年，窦唯又出了一张个人专辑《艳阳天》。这张专辑依旧是他一贯的风格，只是打开了封闭的小天地，增添了一些光线和色彩，时而沉淀内敛，时而光明旷远。《黑梦》是孤寂压抑中的苦苦抗争与求索，《艳阳天》则进入一种清澈、旷远、悠然、自在的境地，“阴晴圆缺在窗外，心中自有艳阳天。”或许可以从这张专辑里看出来，窦唯走出了他自闭的空间，开始不甘寂寞的渴望起来。渴望倒不是坏事，在《艳阳天》这样的纯艺术性质的实验作品里，窦唯试图表现的是一种把古典和现代结合的模式，迷幻有断续感的间隔节奏，接近爵士乐的即兴式样的随意发挥，一种全新的摇滚概念。不可否认的是窦唯“阳光”起来了，没了《黑梦》的低靡和颓废，不见了压抑和伤感，或许在那一阶段和王菲的爱情让他幸福，让他分神？让他普通了，变得像个很理想化的青年了。好春光/在这艳阳天/朦朦胧像是那从前……为着那份美好的心愿/心再苦涩/路再艰难……从歌词的变迁就能看出些许的倪端。总感觉窦唯正常了，就不再有灵气，只会玩音乐了。
【楼主】 (9):8.《山河水》《幻听》《一举两得》、《幕良文王》
窦唯也开始电子，《山河水》中的音乐运用了大量的电子音乐元素，而音乐风格上则比以往的专辑更加低调、平淡。感觉上窦唯在旋律构造方面并没有过多去追求。象这张专辑中的大部分歌曲听起来就象是随意哼唱出来后，再配上音乐制作而成的。窦唯的歌词向来意向模糊，在这张专辑中这种趋势似乎发展得更加极端。例如“哪儿的事儿”中莫名其妙的汤姆、彼得和阿瑟之类的词句，我劝你也别费心去琢磨了，根本不会有什么结果的。《幻听》实际上是一个以窦唯为主的乐队作品，窦唯这回玩的是Band Sound，但是绝对不同于早期那种比较明朗、亲和力较强的风格，而是显得有些晦涩。这种晦涩还不光表现在音乐风格和乐队名称上，看看专辑中的歌名：“幻听”、“旺天下”、“丰收获”、“觉是”、“荡空山”等等。一片香烟缭绕，天地清净，酒肉穿肠的玄虚氛围。就像一群酒肉宿醉后一起卡拉OK的感觉。想指望窦唯通过歌词来表达他的思想肯定没戏，里面甚至有窦唯的准英语念白。与之前的专辑相比。《幻听》的窦唯完全极端化了。说起来，窦唯《一举》《两得》这张专辑本来是为了《寻枪》做的，音乐我们诡异的时候特别诡异，带着一种狡黠和阴郁，灿烂的时候特别灿烂，缺心眼一样的欢蹦乱跳。窦唯本来越走越远，远得让大家不敢认他，但在他与不一定乐队合作的《一举》和《两得》中看见他回复了一丝人间烟火气息，以及重新将目光投注在现实生活和现实人群中的迹象。这是好事。随着2003年《幕良文王》的出现，窦唯的定义应该是一个天生的音乐表达者。这张新民乐曲风的专辑，一改传统的音乐表达形式，从音乐结构、配器的选用、到封面设计和曲名定义，都表达了对中国古典道家文化的推崇和感悟。窦唯回到了最初的状态，给自己做音乐玩，剩下的爱谁谁，好在《幕良文王》普遍具有窦唯身上散发出来的那种宁静、淡泊、内敛、从容和好玩。
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从１９８９至今，中国摇滚乐的唱片史已有近20年，多年来，无数乐手留下了无数的作品，尽管大部分被淹没被遗忘，但前赴后继者络绎不绝。这里所选的100张唱片基本上涵盖了中国摇滚的各个领域。但版面有限，很多极优秀的唱片未能一一点到。这100张唱片只是回顾，并非观止。对于中国摇滚，掐算年头也不过数载，可算是初级发展阶段。套用先生之言，摇滚尚未能成功，同志仍须努力。
1.《浪子归》
有人记得这张专辑么？此时的崔健还不是摇滚的崔健，这盘专辑里的音乐可以归为通俗，一定要和摇滚沾边的话也只能算是乡村抒情摇滚。整张专辑风格没有愤怒，充满伤感的情绪，老崔的声音和配乐柔得不能再柔，腻得不能再腻。《浪子归》、《你不要走》、《分手的时候》，看看那专辑里歌曲名字也真让人犯酸水。架子鼓，电贝司和键盘的配乐节奏彻底拖沓，完全显示了当时中国流行乐坛的风格，想必听惯了老崔怒吼的人们再回头去听这张专辑的时候，百分之九十五听不出那是崔健的声音。更叫绝的是专辑的歌曲间奏里面，居然出现了老崔带着颤音柔情似水的“啊～～～”“哎～～～”等美妙的声音，崔健自己也很少提及这张专辑也就因为此吧。我脑子里居然出现了老崔那张脸理了一个分头打了摩丝身上穿着荧光闪闪垫高肩膀的西装拿着麦克风一脸欠人家钱的模样。印象中老崔再没有像这样安静甜腻温柔过。只不过在专辑里略能感到崔健自己对音乐的理解和创作。基本算是崔建从流行向着自己热爱的摇滚，过渡时期的产物。
2.《新长征路上的摇滚》
1989年的崔健踏上新的长征路，这张专辑在境外的名称是《一无所有》，就是那首在1986年让中国人第一次认识摇滚乐的歌曲，即便是今天这首歌还在被无数人传唱翻唱。虽然整体曲风和感觉还并没有完全明朗化崔建自己的风格，但崔健在歌曲里直取病态的人性，从中国人老旧的皮肉下挖出汹涌的血液和美丽的欲望。在遥远的八十年代，听他都喊出了什么：假如你已经爱上了我，就请你吻我的嘴！这正像一记重拳擂在当时中国人的后脑。起初的崔健不是自觉的而是自然的，但那些仅从个体体验发出的歌唱获得了强烈的社会意义，很多声音很多情绪并没照顾和搭理别人，感觉上是唱自己爱唱的，和完全唱给自己的。但是崔健的声音在八十年代末真是给了那些被舶来品甜腻到麻木的人群一记响亮的耳光。崔健在这张专辑里完成了柔情到沙哑的过渡，并且开始鄙视流行，也开始治疗中国人的便秘。
3.《解决》
按我个人看法，崔健的《解决》应该算是中国最早的说唱音乐。急速的扫弦，弹性的贝司和刘效松的CONGA鼓，还有崔健绕舌而难辨的唱词，与他相比，现在流行的那些所谓说唱歌手那个时候不知道在哪撒尿和泥或者拿树棍儿捅大便玩呢。崔健的觉醒在于他开始想要自己的音乐了，专辑里的个性化及创新感觉即使现在听来都相当有味道。比如《快让我在雪地上撒点野》里面，开头以1分20多秒钟的散板古筝独奏，间以几短声梆子，以及一长声大锣；大锣之后，古筝由细语式的乐句，逐渐发展，像是在黑暗中兀自盲目摸索探寻，那节奏……渐快……渐强，吉他的音色摸着空隙缓缓地与之兜了起来，马禾敲下了十多声的鼓，领了贝斯、吉他，爆发出令人难以理解的扭曲与纠葛。而与上第一张专辑比较，崔健显然《解决》已不再是单纯的觉醒意识，而是开始在纷杂的社会里，发现问题，挑明问题，解决问题了。不再像之前那样为了唱给自己听，而是唱给“你”听，而且完全是一种硬唱给你听你爱听不听的架式。《解决》可以说是崔健音乐生涯中承前启后理程碑似的作品，在这里FUNKY、RAP、PUNK等等多音乐元素的运用，既说明了中国的一个新音乐时代的开始，也昭示着崔健未来音乐的发展方向。
4.《红旗下的蛋》
电子化了的崔健令很多人感到失望，不让咱们失望的应该还是老崔不变的音乐理念，其实更多人喜欢崔健并不一定真正能理解他要表达的是什么，只是崔健的歌听起来舒服、痛快，也能让自己的情绪随着音乐和怒吼也爆发那么一下下。不能否认崔健是在尝试，而且是进步的尝试，专辑歌曲里他展现了一种富有弹性的效果，其中融进了朋克、爵士、非洲流行音乐、说唱、摇滚的特点和节奏，中国的民族乐器，如唢呐、古筝、笛子、箫等等，还有京剧评剧之中的腔、韵、走板儿……并且将它们融合成一种好听的声音，不管什么狗屁的东西方文化，好听就足够了。其实电子化的只是音乐，不是老崔的声音，他还是嘶哑的挣扎的絮絮叨叨歇斯底里的让我们和他的音乐一起振奋，虽然整张专辑的水平并没有明显超越之前的两张，但崔健的味道没变，少了之前《一无所有》《假行僧》那种浪迹漂泊的浪漫，更平凡更现实起来。越听越有意思，不自觉就能跟着笑起来，笑的时候还总有点担心想躲着点什么，别一不留神让崔健喷你一脸唾沫星子。
5.《无能的力量》
崔健对节奏对Rap的彻底拥抱，感觉现在崔健的抒情能力已丧失殆尽，说到根子上，这是内心里浪漫精神的丧失，也是该时代的普遍状态：当问题、想法、思考、意见和判断越来越多，人变得越来越现实，天真消失了，幻想没有了，抒情不可能了。表现在音乐上，就是现在的崔健几乎只剩下了节奏和音色。我们完全可以感觉到崔健在专辑里那种不敢张嘴的骂，可以说他依然扮演着一位社会问题代言人的角色，整张专辑充满了对金钱的攻击和利益的谩骂，但这种攻击在九十年代却显得那么无力，正如摇滚是一种潮流，但摇滚不能改变潮流一样。这一点与专辑名“无能的力量”保持了一致。崔健通过这张专辑成功地从乐迷心中的神坛走了下来，再也不会有人说自己听着崔健的歌会痛哭流涕，再也不会有人说崔健的一首歌改变了自己的一生。当崔健和我们一样真实地“生活在此地”，他如何去面对这个时代的真实？不知道是说崔健老了，还是说他成熟了更合适，但感觉崔健已经不再愤怒，不再尖锐，他的音乐也不再那么让人热血沸腾。听《时代的晚上》《另一个空间》《春节》这些歌曲的时候我们依然感动，甚至有流泪的欲望，但是感动却不再是最初，而是无奈的，回忆的感动，感动的着回忆崔健和我们一样年少轻狂的那些日子。或许可以说崔健现实了，妥协了，他想带着他的歌迷一起对这个现实妥协。这真可怕。
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