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32.《梦回唐朝》
关于这个唐朝我还能说什么呢？1991年唐朝推出首张专辑《梦回唐朝》，成为了中国摇滚史上的经典之作。唐朝乐队也成为中国摇滚历史上最振奋的一笔！凭借这张专辑和当时一同推出的黑豹的首张专辑，摇滚乐第一次也是唯一一次完全压抑了其它流行乐种，摇滚在那个时代成为时尚，成为无数青年少年的梦想。
不论是《梦回唐朝》的豪情万丈，《太阳》的天空地远，还是《月梦》忧伤的低唱，《九拍》狂放的嘶喊，“唐朝”都在其中表现出其对音乐驾驭的能力，曲子在流畅和多样化中体现个性，歌词则让我们看到他们对中国传统文学的理解，对生活和世界的认知。丁武高亢的嗓音、老五高超的吉它演奏、曲子编配的精细，每一方面都让人感到《梦回唐朝》的认真。唐朝的音乐是如此的华丽和气势磅礴。
《梦回唐朝》是唐朝乐队首张，也是唯一一张专辑，原因众所周知，张炬意外的去世导致唐朝消沉许久甚至面临解散，直到后来推出第二张专辑的时候，唐朝也已经是另一个唐朝了。
或许是因为张炬的离开，无数音乐人和摇滚迷把《梦回唐朝》视为近乎完美的经典，我也是其中之一。
33.《演义》
虽然已经知道任何乐队的第二张专辑肯定比不上首张专辑优秀，越是成功的乐队越是如此，但我还是想听听中国最优秀的摇滚乐队在蛰伏了多年之后还能不能带给我们惊喜。但我还是或多或少的失望了，就象唐朝的不可重复一样，《梦回唐朝》也是不可重复的。
《演义》的前奏，不如说是整张唱片的前奏，很好地延续了唐朝唱片的概念性，只是再出色的吉他也不如《梦回唐朝》的那几声锣和大鼓来得厚实。重金属风格已经在摇滚界落寞，唐朝新专辑《演义》中的音乐也可能是因为大家期望得太高而显得差强人意。
其实平心而论唐朝的音乐在《演义》里得到了延续，却肯定无法超于凝固在大家心中的《梦回唐朝》，比如我个人，许是因为张炬的原因，就特别喜欢专辑里唐朝翻唱的那首《送别》，那是唐朝对音乐敏感和热爱的体现。
1998年，期盼了七年之久《演义》虽然还是赢得了许多喝彩，但是却无法取代首张专辑在人们心里的地位。在经历了长久的等待后，或许歌迷变了，或许“唐朝”已经衰老了，而唐朝那首落寞的《送别》，无疑是对他们带给中国摇滚音乐曾经那些辉煌的一首挽歌。
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28.《天色将晚》
其实小柯的音乐算不上是传统意义上的摇滚。他只是一个专注于自我风格的音乐人。这张专辑全部是他本人作词作曲的创作专辑。而专辑里的一些歌曲风格却有着和摇滚内涵异曲同工之妙。
说起来很难将小柯的音乐风格归之于哪一门类，因为他的音乐融汇了古典、流行、Jazz、Funk、Blues、Folk等多种曲风，而他本人又是一位集演唱、作词、作曲、编曲、演奏、制作于一身的才子，我对小柯的音乐有一种难以掩饰的钟爱，或许他的音乐不太流行，但他的音乐对于中国原创乐坛的意义却将是十分深远的――哪怕在今天人们还没有很充分地认识到这一点！
小柯其实更像一位平民音乐人，却并不完全的摇滚。他的音乐总是在让人感动和怀念，流逝的岁月在小柯那缓缓流动的钢琴中逐渐凝固成了泛黄的影像。蓦然回首，天色将哓，而心头的怅惘却依然挥之不去……
我们可以不去界定他的音乐，因为就音乐本身来说，能让人一遍又一遍的在听觉中感动就已经足够了
29.《不要匆忙》
从台湾人制作的第一张摇滚乐合辑《中国火1》到本地策划的首张摇滚乐合辑《摇滚北京1》，骅梓似乎总是被视为是碟中新声的代表，组建第一支乐队算起，骅梓已经做了十二年的音乐， 1996年出版的个人专辑《不要匆忙》标志着骅梓在尝试自己走出来要去创造。骅梓是一个从来不肯招摇的摇滚艺人，也只有他敢于理智中肯的说出“崔健没有天分”这样的话来。
可惜的是《不要匆忙》并不好，早期的骅梓用他干净素雅的音乐元素表达着他简单的梦想，而当梦想只是梦想的时候，执着便成了固执。我们可以说《不要匆忙》的音乐没有任何的明显特点。缺乏彻底性可能是骅梓最致命的弊病。
可能对骅梓来讲，做音乐是一件很崇高的事情，而这种思想的不断重复加深耽误了骅梓的音乐，原因就是他把音乐太过于理想化，而他所理想的音乐却从来没有出现过。相比之下，《不要匆忙》虽然只是平庸之作，却表达了骅梓对音乐的追求和渴望。
30.《人人都有个小板凳，我的不带入二十一世纪》
最早听到的是这张专辑里面那首《欢迎受听广播》，真是喜欢的不得了，开始关注他以后打死我也认为胡吗个在他的摇滚事业中绝对不会失败！1999年4月，终于盼到了他这张专辑《人人都有个小板凳，我的不带入二十一世纪》正式出版。
这个来自鄂西的名叫胡吗个的年轻人创造了一个令每个音乐人汗颜的伟大奇迹，这个奇迹是颠覆性的，在这张名叫《人人都有个小板凳，我的不带入二十一世纪》的杰出专辑里，胡吗个用让人耳目一新的新写实主义的手法唱出了自己的声音，表达了一种最深切的人文关怀。让我们每个人反观自身尴尬、悲哀、平凡、猥琐的生存状态。
可喜的是，胡吗个幽默的个性使整张专辑充满了张力，每每我都会为其中出人意料、苦中作乐的戏剧性笑出声来，他的嘲讽和自嘲使他立于不败之地，所有的庄严、神圣、规则在这里被消解得一塌糊涂。而音乐，任何现成的音乐形式都无法套入这张专辑，因为他的音乐太实验性，太行为主义，太散文化。
其实摇滚并不是严肃，相信每个真正喜欢摇滚的人都会喜欢胡吗个。喜欢他看似漫不经心的“简约摇滚”。
31.《我快乐死了》
陈底里算是老牌中国独立音乐人，他的音乐以电子音乐为主要表现形式，而其在吉他演奏方面亦有突出表现，曾被誉为是“DNA变种的吉他鬼才”。他就像是摇滚界底唐吉珂德，高喊精神万岁的他1988年便出了这张《我快乐死了》。就像很多人说的一样，陈底里应该去作电影音乐，因为听陈底里的音乐，应声人耳的感觉是：它们是一组音效“蒙太奇”。
在西方现代音乐发展中，以“噪音音乐”和“电子音乐”，对音效的把玩为最，陈底里无疑从中受到启发。他的专辑是纯音乐型的，虽然还略显粗糙，但却不是那种死死的没有生气的电子产物。于是在他的专辑里我们听到他纯音乐境界的自由追求，为中国摇滚打开另一个新鲜的空间。
不知道有多少人真的在意了陈底里这张专辑里面的歌词，反正我是基本没记住什么。好在我喜欢的是专辑里陈底里所营造的纯音乐氛围。可惜，由于行事低调，更由于其实验态度，作为实验音乐家的陈底里和他的《我快乐死了》远未得到更多的喝采。
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20.《往生》
东北有一道名菜“乱炖”，不管三七二十一的把各种料都弄在一起，做出来却香气扑鼻。王勇的专辑《往生》就是如此。
我们在这一张专辑中遇到了爵士乐、摇滚乐、New Age，遇到了法国号和笛子、金属吉他和古筝、和尚和喇嘛、江南和西藏、偈语和Rap，喜多郎、Yanni或Michael Crute (Inigma)，而王勇的奇迹就在于他将这一切烂熟于心、信手拈来，就像武侠的无招胜有招，王勇也到了丢弃音乐形式，只有声音的程度了。如果仔细听听《往生》中那段二胡，你就会惊讶于王勇的才气，他和那些把民族乐器融入歌曲哗众取宠不同，他寻找的是乐器本身的性质而不拘泥于文化和地域，声音和声音在一起，组成新的声音――你没必要去分辨哪一声属于哪个流派。
王勇的音乐是宗教式的，有神论的。但我更愿意理解为那是王勇自省和唤醒的过程，他是整个中国乐坛为数不多的懂音乐的创作人之一，更多人喜欢《往生》这张专辑是因为它的神秘色彩或是别的，抛开王勇歌词稍显业余的瑕疵，我们应该关注的是《往生》里的音乐。
王勇是一个非常优秀的厨子，把各种音乐融合在一起，不管风格、文化、民族、和地域的的区别，统统只是单纯的把它们当作音乐，于是一张很有功力，颇显大气的音乐大餐便摆在我们眼前了。
21.《在别处》
九七年出版的这张《在别处》是许巍的首张专辑。在这之前我们熟悉许巍是因为他为田震创作的那首《执着》。那个时候许巍被誉为什么“中国摇滚新希望之类”的头衔，炒作也好包装也罢，多少有点让人生厌，你是谁啊就敢这么牛B？第一首歌听的就是《我思念的城市》，那是一份质朴和苍凉的感觉。这种感觉在第一次听张楚的时候也曾有过。于是迷迷糊糊的喜欢了许巍。
当听到《在别处》和《水妖》的时候，我知道许巍肯定满足了很多人的期待，不管许巍自己经历了什么，他却在音乐里找到了与人相通的知觉。无助，茫然，孤独，绝望，遥远的幻想，《在别处》的所有歌曲都唱出了我们心里不敢触及的那一部分。哪怕我们不考虑他音乐的表达和存在的意义，只有两个字就已经足够：好听。在这个时代，除了好听我们还能奢望什么？还会出现崔健那个时候一首歌改变某个人的一生这种情况？我操！
专辑里每首歌都好听，甚至都能在听的同时让我们看见什么。只是许巍的歌旋律过于单一缺少起伏，演唱也是一个声音下来没有变化。但那是许巍不懂变化还是不愿变化？当我们在他的音乐里感到了似曾想识的沧桑和茫然无助，我们的内心世界真的还愿意改变他么？
《在别处》之后，许巍不再漂泊，于是他变了，于是我们也再找不回最初的感觉。
22.《榨取》
个人理解的话，周韧的《榨取》应该是中国最早的grunge专辑，那是1996年，中国的grunge最最火爆的年头，大大小小的个性青年都谈论着nirvana，于是《榨取》诞生了。
虽然这张专辑虽然在很多地方有些像pearl jam，但是谁又懂那么多呢？抛开一切风格不提，这张专辑给我印象很深的地方是人声上加的效果，比如说《榨取》这首，一个说唱的作品，很有趣，我们可以完全不去管歌词再唱什么，人声加上效果器是一件很奇怪和好玩儿的乐器，如果你喜欢那种概念上并不是那么标准的rap同时又喜欢grunge的话，你应该会喜欢这首歌。
但是个人感觉周韧在《榨取》中的那些的歌词明显的故作玄妙，他本人又是在对grunge一味的追求和模仿，使得这张专辑只徘徊在小众中的小众里被爱戴。当然我们可以说《榨取》大约是技术上最精彩的grunge专辑，但却真的没有什么内容，更别说感人。
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17.《赤裸裸》
郑钧可能是中国流行音乐中最有人缘的歌手了。无论你说他是流行歌星也好、摇滚乐手也罢，都不会有太多人反对。毕竟郑钧是靠摇滚乐起家的。玩的也是欧美那一套。
1994年《赤裸裸》时候的郑钧还是完全属于摇滚，放弃了出国的机会坚持留在国内创作自己热爱的音乐，并且有自己的音乐理念和创新思维，他的第一张专辑《赤裸裸》发行，即突破了100万张的发行量。可以说郑钧对于中国摇滚的发展，走出异区向大众靠拢还是起到了积极并且十分重要的作用。满大街都喉着要《赤裸裸》的《回到拉萨》的那个时候，无论你承不承认他当初做的是不是摇滚乐，最起码郑钧让更多人明白了，摇滚其实并不那么难以接受。
1994年的郑钧27岁。正是理想在胸中冲撞激情在心中燃烧的年纪。在他的音乐里就有那么多年少轻狂的冲动和放荡不羁。即使现在我们听《灰姑娘》、《极乐世界》、《赤裸裸》的时候依然可以感受那个时候郑钧的可爱和完全沉浸在自己热爱的摇滚乐中的那份痴迷。
《赤裸裸》是郑钧最完美最出色的专辑，那个时候的他和他的音乐也是赤裸裸的，没有那么多的商业和迎合，或许可以把郑钧叫做“偶像级的摇滚歌手”，但是他对中国摇滚乐的挚爱与探索是流淌在血液缠绕于灵魂中的，并且根深蒂固。
《赤裸裸》实在是一张非常优秀的唱片。27岁的郑钧凭着对音乐的深刻领会与热爱，用勇气才气和生气真诚的向听者奉献了一张难得的好唱片。听这张唱片，你会发现理想溢满胸腔。
18.《第三只眼》
如果说郑钧的第一张专辑因为太多人因为他的出现而欣喜，蒙蔽了他自身很多的缺点，那么冷静下来的人们会在《第三只眼》这张专辑里发现郑钧那些显而易见的缺点和不足。
郑钧不是在玩音乐，他很认真，于是他的认真在这张新专辑里让大家发现了他的笨拙。就像一个爱讲笑话的人总给别人讲同样的笑话，还能指望人家笑出来么？
在《第三只眼》里我们可以很轻松地记住那些朗朗上口几近童谣的旋律，但是我们也可以感受到在这些随口调之后的是郑钧在作曲上面的先天缺陷，民谣与布鲁斯的框架几乎是郑钧作曲的全部。即便是《天下没有不散的筵席》用了佤族合唱作为曲始，即便是《迷途》在一开始就用了一段很纯粹的古琴，即便是《第三只眼》的开头就是一段SITAR琴，试图用典型的印度氛围更营造出一种迷幻的味道，但是这一切一点不显大气的小伎俩被使用的那么稚嫩和笨拙。
《第三只眼》的郑钧没有我们期待的创新和提高，只是在重复自己，甚至失去了《赤裸裸》中的激昂和生气。唯一值得反复倾听的就是那首《门》，一首主题和造词上都不算新鲜的音乐，竟也能在郑钧的气质中化腐朽为神奇。还有编曲上如泣如诉的大提琴。
19.《怒放》
1999年4月1日，郑钧第三张个人专辑《怒放》由上海音像正式发行，上市不到五天，第一批二十万盒卡带全部被一“抢”而光。无论怎样，这在中国的摇滚音乐界应该算是一个奇迹。我不知道有多少人是真的喜欢郑钧，还是冲着他的名气去购买的，作为郑钧音乐比较敏感的一位拥趸，在听这张新专辑的时候，我是从激动到愤怒再到失望最后到无奈。最后几乎捏着鼻子听完整张专辑以期待能发现哪怕一首让我有些欣慰的歌曲出现。最后简直气得我准备听《纤夫的爱》来折磨自己一下了！
本来以为郑钧在沉寂许久后，能等待来他的厚积薄发，没想到我等来了一个离摇滚越来越远也离曾经的郑钧越来越远的民谣歌手。当然，我们能听出来郑钧在《怒放》里在努力的尝试，改变和创新，但一切却给人感觉在迎合，不知道是在迎合制作人还是迎合大众。反正除了声音和偶尔的灵光乍现，我没有在专辑里找到郑钧的影子。
《怒放》里，郑钧依然在玩弄自己的那点小聪明，舍弃了中国民族乐器的美妙，整张专辑完全成了西方音乐的傀儡：硬摇滚，欧洲后现代的室内乐风，重金属还有Grunge，郑钧开始了一味的模仿，于是迷失了自己，可能还忘记了自己曾经想要的郑钧音乐。于是我们不愿看到的一幕终于发生，《怒放》之后，郑钧在我们的摇滚视野里“凋谢”了。
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12.《垃圾场》
何勇的个性太强，这在他的音乐里一览无余。四处冲撞、咆哮、大笑、热爱，甚至狂躁。这张专辑原名《麒麟日记》，是何勇在90年代中的作品与生活的总整理，在91年就已经进入录音室作业。但是过程中颇多挫折，其间历时两年多，直至94年才完成缩混。
整张专辑何勇都在咆哮着，都在歇斯底里的质问和怀疑。乍一听很多人都会被专辑里狂乱的音乐和何勇惊世骇俗的摇滚弄的跟着烦躁起来。那些音乐和歌词，简直就像砸在你脸上一样的生疼。
相信在那个时候，何勇的病还比较轻，他疯狂也好暴躁也罢，都还是只体现在他的音乐里，他对音乐的理解异于常人，活在自己给自己制造的垃圾场里寻找他想象的美好和热爱。比如《姑娘漂亮》或者《非洲梦》，再或者《钟鼓楼》也在暗喻着何勇的不满，而这种不满却仿佛永远只是针对着何勇自己。
不谈论何勇在旋律上的欠缺，他的确改变了一些事情，比如他的表演欲彻底打动了香港红堪体育场的数万歌迷，比如他的年轻和他所拥有的摇滚的英年早逝。在《垃圾场》里何勇痛快的爆发了一次，然后消失了，当我们知道他走进精神病院的时候，是否该疑问，那是他为他的个性还是他的摇滚所付出的代价？
13.《我不会忘记最初》
歇斯堪称中国第一代摇滚乐手，无可争议的吉他大师，把命卖给吉他的超执着音乐家。
在他的第一张个人专辑《我不会忘记最初》里面，歇斯的吉他弹奏已经接近出神入化，那个时候的他已经对吉他痴迷，也已经苦行僧一样的陪着吉他生活了很久。
相信每个好的乐手都会有一段类似于清教徒的这种生活，有点儿走火入魔的那种感觉，只有这样才会让吉他化入你的血液。那就是你的意识永远是在动的，眼睛里看到的，脑子里飞舞的就只有二十四品和六根琴弦，就象佛教里说的从有意识界达到无意识界，就是“空”，这个“空”给人带来的是什么，就像是你擦亮一根火柴的时候，火苗中间是真空地带，当这种东西从手指上流出来的时候，你没法问他在想什么，他也答不了你。歇斯就是在不断的揣摩和联系中把吉他和自己的音乐还有自己的生命融入在一起了。
这张专辑，我可以负责任的说一句：除了吉他弹奏，剩下的都是废料。
14.《舞指如歌》
歇斯的《舞指如歌》的推出，宣告了中国首张纯吉他演奏专辑的诞生。那里面的riff和旋律走向听来根本不像是出自一个中国人的手笔，―不知道的还以为是Stve Vai又出新专辑了呢。许多很具专业水准的人听了之后都说，它可以称为是国内第一张纯正的吉他音乐唱片。其中的技术成分不必细说，主要是它的音乐能让人激动，能让人感到一种冲动和飞扬。所以，许多人认为，歇斯已经是中国最优秀的吉他大师。
这是一张与众不同的音乐专辑，是一张真正意义上的“音乐”专辑，整张CD只有精彩绝伦的吉他演奏，听多了古典吉他的吉他曲，让我们来听听电声乐队的纯乐曲，纯吉他Solo。
歇斯的《舞指如歌》全部音乐创作与编曲、全部吉他演奏都由他一人独立完成。这是一张与众不同的音乐专辑，是一张真正意义上的“音乐”专辑，整张CD只有精彩绝伦的吉他演奏，听多了古典吉他的吉他曲，让我们来听听电声乐队的纯乐曲，纯吉他Solo。
关于歇斯的歌我不想说什么，因为那些东西太失水准，关于歇斯的吉他我也不想说什么，因为他的吉他只是用来听的。
15.《野花》
如果有人把田震归为摇滚也不足为奇，田震的声音的确属于合适摇滚的，但是她的歌却属于流行，用那副天生摇滚的嗓子唱着一首首腻歪歪的流行歌曲，也就不难理解为什么摇滚界同仁如此鄙视她。
《野花》这张专辑和里面的歌曲都获奖无数，各大排行榜均有田震大姐的身影，但田震其实并没找到合适自己的音乐和曲风。不甜美不高亢不厚重不尖细的声音使她在流行歌曲的世界里显得很独孤。她独特的嗓音之所以受人爱戴也仅仅是因为她独特的嗓音而已，但悲哀的是摇滚鄙视她，民族和美声当然她更不沾边，唯有在通俗里混迹却也被通俗视为异类。
太多凡夫俗子说《野花》好听，却忽略了整张专辑的的浅薄和做作。旋律单一，歌词琅琅上口却百分之百的幼稚。非情即爱也使得拥有如此独特的嗓音的田震的这张专辑毫无深度。
《野花》就像是快餐，让人痛快之后便新陈代谢走了。
16.《干杯，朋友》
总感觉专辑里面的歌曲，比如《干杯，朋友》。如果不是田震唱，而换一个声音甜美的歌手来唱肯定又是另一番滋味。但田震低沉性感的歌喉却把这首歌要展现的并不深刻的意境诠释的淋漓尽致。
这张专辑里，田震那种用摇滚的感觉去演绎通俗和流行再次得逞，并且整张专辑与上一张相比较之下有了显著的提高，无论是配乐还是整体风格的统一化，包括可以唱滥大街小巷的流行歌词都开始有了比较深刻的内涵。
但无论怎么说，《干杯，朋友》始终是流行音乐的产物，因为田震的声音所以带了些许摇滚的风格，这让那些不能接受摇滚又听腻了流行的人群欣喜无比爱不释手。但相信专辑里面的歌曲对人们来说依然是表层喜欢，最多勾起点酸酸的回忆，而能给人们更多的恐怕就是忘却了。
田震凭借着她的嗓音，带着她的“伪摇滚”流行歌曲一路走来。再一路走去，不知道会有多深的脚印……
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